Поп-арт — направление искусства 1950–1960-х годов, которое сделало героями живописи рекламу, комиксы, упаковку и знаменитостей. Художники взяли образы массовой культуры, прежде считавшиеся «низкими», и перенесли их в галереи, стерев границу между искусством и потреблением. Чтобы понять стиль, достаточно четырёх имён: Энди Уорхол с банками супа, Рой Лихтенштейн с увеличенными комиксами, британец Ричард Гамильтон и Класс Олденбург с гигантскими предметами. Ниже — главные художники и работы поп-арта.
Истоки: британский поп-арт
Вопреки распространённому мнению, поп-арт зародился не в Америке, а в Британии в середине 1950-х. Группа молодых художников и критиков, объединённых в лондонской «Независимой группе», первой заговорила о красоте рекламы, голливудского кино и потребительских товаров. Они смотрели на изобилие американской культуры со стороны, с восхищением и иронией одновременно. Именно британцы придумали сам термин «поп-арт».
«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956) Ричарда Гамильтона — крошечный коллаж, который считается одним из первых произведений поп-арта: интерьер набит рекламными образами, бодибилдером с леденцом-«POP» и телевизором. Эдуардо Паолоцци ещё в 1947 году в коллаже «Я была игрушкой богача» впервые поместил слово «pop». Сам термин «поп-арт» ввёл в обиход британский критик Лоренс Эллоуэй для искусства, выраставшего из массовой культуры. Эти ранние работы задали тон всему движению и доказали, что глянцевый журнал и реклама могут быть материалом серьёзного искусства.
Энди Уорхол — икона поп-арта
Энди Уорхол — самое известное имя направления и человек, превративший поп-арт в явление мировой культуры. Бывший коммерческий иллюстратор, он перенёс в искусство методы рекламы и массового производства, в том числе шелкографию, позволявшую тиражировать образ. Уорхол стирал разницу между уникальной картиной и товаром с конвейера и сделал темой искусства саму идею знаменитости и потребления. Его студия «Фабрика» стала центром нью-йоркской арт-сцены 1960-х.
«Банки супа Кэмпбелл» (1962, MoMA, Нью-Йорк) — 32 почти одинаковых холста с банками супа, по числу вкусов; это манифест поп-арта, возводящий супермаркетный товар в ранг искусства. «Диптих Мэрилин» (1962, Тейт) повторяет лицо Мэрилин Монро яркими и блёкнущими рядами — образ о славе, тираже и смерти. Серии с бутылками «Кока-Колы» и портретами Элвиса и Мао закрепили его метод: повтор, броский цвет, узнаваемый бренд. Уорхол сознательно стирал руку художника: шелкография позволяла повторять образ почти механически, как товар на конвейере, и это само по себе становилось высказыванием о тиражной культуре.
Рой Лихтенштейн и язык комикса
Рой Лихтенштейн нашёл собственный визуальный язык в комиксах и печатной графике. Он увеличивал кадры дешёвых комиксов до размеров большого полотна, тщательно воспроизводя их кричащие цвета, чёрный контур и типографские точки растра. Этот приём — имитация механической печати кистью — стал его фирменным знаком. Лихтенштейн показывал, что массовая картинка, увеличенная и помещённая в музей, обретает неожиданную силу.
«Whaam!» (1963, Тейт) — огромный диптих с атакующим самолётом и взрывом, превращающий военный комикс в монументальное полотно. «Тонущая девушка» (1963, MoMA) и «Девушка с мячом» доводят мелодраму комикса до иронического пафоса: героиня тонет, но «скорее умрёт, чем позовёт на помощь». Знаменитые «точки Бендэя» в его работах имитируют технологию журнальной печати. Позже Лихтенштейн тем же приёмом «пересказывал» шедевры прошлого — кубизм, импрессионизм, даже мазки абстрактного экспрессионизма, превращая высокое искусство в подобие комикса и тонко иронизируя над самим понятием стиля.
Скульптура и объекты поп-арта
Поп-арт не ограничивался живописью — он вышел в объём, превращая бытовые предметы в монументы. Художники брали еду, инструменты и упаковку и увеличивали их до абсурдных размеров или, наоборот, делали мягкими и обвисшими. Это меняло привычное восприятие вещей и заставляло смотреть на повседневность как на скульптуру. Так поп-арт продолжил свою главную тему — поэзию массового потребления.
Класс Олденбург прославился «мягкими скульптурами» — гамбургерами и пишущими машинками из ткани — и гигантскими городскими объектами вроде огромных вишни, ложки или прищепки. Его работы делают обыденный предмет одновременно смешным и величественным, заставляя по-новому взглянуть на привычные вещи вокруг нас. Джеймс Розенквист, бывший художник рекламных билбордов, в монументальной картине «F-111» (1965, MoMA) соединил истребитель, спагетти и атомный гриб в едкое высказывание о потреблении и войне.
Поп-арт по обе стороны океана
Поп-арт был широким движением, и рядом с Уорхолом и Лихтенштейном работало целое поколение ярких художников в США и Британии. Они по-разному обыгрывали рекламу, секс, музыку и быт общества потребления, но всех объединял интерес к «низким» массовым образам. Без этих имён картина направления остаётся неполной. Многие из них дали поп-арту его самые знаменитые обложки и витрины.
Том Вессельман в серии «Великие американские обнажённые» соединял глянцевую эротику рекламы с натюрмортом из брендовых товаров. Питер Блейк, лидер британского поп-арта, оформил обложку альбома The Beatles «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band» (1967) — одно из самых известных изображений поп-арта. Скульптор Джордж Сигал создавал гипсовые фигуры обычных людей в реальных бытовых сценах. А Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс своими «комбайнами» и изображениями флагов и мишеней проложили мост от абстракции к поп-арту.
Влияние поп-арта
Поп-арт навсегда изменил отношения искусства с массовой культурой. После него реклама, дизайн, музыкальные обложки и уличное искусство свободно цитируют друг друга, а граница между «высоким» и «низким» почти стёрлась. Уорхол предсказал эпоху знаменитостей и тиражируемых образов задолго до социальных сетей. Современные художники, от Джеффа Кунса с его блестящими «надувными» скульптурами до Такаси Мураками с его «суперплоским» стилем на стыке аниме и галереи, прямо продолжают его линию. Поп-арт первым всерьёз заявил, что граница между искусством и товаром — условность, и сегодня это стало общим местом арт-рынка.
В то же время поп-арт остаётся искусством с двойным дном: за яркой картинкой скрыты ирония и вопросы о том, что мы потребляем и кем восхищаемся. Чтобы увидеть лучшее своими глазами, идите в MoMA и галерею Тейт, где собраны главные вещи Уорхола и Лихтенштейна. А чтобы запомнить суть стиля одним образом, достаточно банки супа Кэмпбелл — обычный товар, ставший символом целой эпохи в искусстве.
Комментарии
Чтобы оставить комментарий, войдите.